Alev Lytle CROUTIER. Los palacios de la memoria. Barcelona: Grijalbo Mondadori, 2000. (309 pps.)
Título original em inglês: Seven houses.
Até fevereiro de 2005 não existia tradução em português do livro.

Alev Lytle Croutier nasceu na Turquia, estudou literatura em Estambul e vive, atualmente, entre os Estados Unidos e a França, paises em que é reconhecida como romancista e roteirista.

O livro relata a saga das mulheres de uma família turca entre 1910 e o início do século XXI, e entrança a história dessa família ficcional com a história da modernização da Turquia. É uma história de perdas, de reconstruções, de nostalgia, de força e de sensibilidade e a autora transforma em narradores do relato as diversas moradias que abrigaram a família, do palácio comprado em Esmirna no ano de 1910 por Esma - a primeira e trágica heroína do livro - aos impessoais apartamentos do condomínio de Istambul que Âmbar - a neta de Esma - encontra como morada familiar ao regressar de um auto-exílio nos Estados Unidos com sua filha Nellie.

O livro traz uma única alusão à epilepsia, e essa alusão não tem nenhuma importância em relação à narrativa do romance, ainda que seja expressiva no que diz respeito à associação da epilepsia ao paroxismo da desgraça humana.

No trecho, Âmbar, de volta a Istambul, visita sua tia Aída, belíssima em sua juventude, e que um dia havia sido Miss Turquia e encantado o próprio general fundador da Turquia moderna, o chefe do partido nacionalista que se tornara presidente da república turca em 1923, Kemal Pacha Ataturk . Aida se submetera a uma cirurgia plástica para recuperar a beleza perdida com a idade, mas, vítima de um embusteiro, ficara monstruosa.

Âmbar a encontra fechada em seu apartamento quase sem luz, em companhia de outras sete mulheres desfiguradas, também elas vítimas do cirurgião embusteiro. As mulheres conversavam, liam jornais em voz alta e adivinhavam sua sorte supostamente inscrita no poso que o pó de café deixava nas xícaras em que bebiam:

“Aída estava absorta, olhando o poso de café. Uma mulher com a voz etérea lia em voz alta um jornal enquanto as demais a escutavam. No início parecia poesia – o tom o sugeria - , mas as palavras se desintegraram na história de um homem que tinha cozinhado e devorado três viúvas. Quando a mulher terminou, as demais suspiraram e balançaram a cabeça. Outra começou a ler alto: ‘surdo-mudo epilético se afoga numa privada rudimentar’. Liam histórias horríveis e riam das coisas mais tristes e cruéis.
- Que tipo de festa é essa? – perguntou Âmbar à mulher que lhe havia aberto a porta ao entrar.
- A festa da depressão – replicou a mulher – Você não percebe? Tratamos de pensar nas coisas mais deprimentes. Assim nossos problemas parecem menores e isso faz que sintamos menos o que aconteceu conosco.
- Preferimos a escuridão – sussurrou outra mulher sentada a seu lado – somos mulheres da penumbra. Formamos a sociedade das mulheres da penumbra. Somos todas sobreviventes, sempre caímos de pé, como os gatos.” (p. 253-254)

Nessa passagem, a epilepsia do surdo-mudo que se afoga em meio à imundície de uma privada rudimentar, aparece discursivamente associada de forma direta a “histórias horríveis”, a “coisas mais tristes e cruéis” e a “coisas mais deprimentes”. Um dos elementos das notícias dos jornais sensacionalistas que estampavam em suas páginas o paroxismo da desgraça, e pareciam fazer Aída e suas companheiras de infortúnio esquecer seu próprio sofrimento.

Margarida de Souza Neves
Coordenadora da equipe de pesquisa
2004

 

Praga é, paradoxalmente, um romance que tem como cenário e personagem principal a Hungria do período imediatamente posterior à queda do mundo soviético. A trama está situada em Budapest, no ano de 1991, e o livro pode ser lido como uma narrativa sobre um grupo de jovens descolados, norte-americanos e canadenses, que vivem os impasses de sua geração e o choque entre o mundo globalizado e as velhas tradições húngaras, personificadas em um personagem-síntese, Imre Horváth, herdeiro de uma antiga editora cuja história se confundia com a história do país ao longo dos séculos XIX e XX. Se o velho editor, a cidade de Budapest e a geração dos jovens globalizados são personagens centrais, a segunda guerra mundial, e seus efeitos devastadores sobre a velha Europa, também o é.

Praga, a cidade título, aparece apenas no último parágrafo do livro, como

“(...) uma terra de torres e palácios de brinquedo e portões pintados de dourado e pontes com estátuas de olhos tristes espiando sobre uma água preta enevoada, uma aldeia de paralelepípedos e vitrais não atingidos por canhões, e aquele castelo de contos de fadas flutuando sobre ele, flutuando livre de qualquer amarra, uma cidade onde certamente qualquer coisa será possível.” (p.419)

O autor é um norte-americano de Minneapolis, que morou em Budapest entre 1990 e 1992 e vive hoje em Paris. Esse é seu romance de estréia.

A alusão à epilepsia é completamente marginal à trama do livro, mas nem por isso é menos expressiva. Ela está no início do capítulo V da segunda parte do livro, dedicada à saga da Horváth Kiadó, a editora fundada em 1808 e herdada por Imre.

O Autor faz da marca registrada da editora – uma pequena pistola no ato de disparar uma bala na qual é possível ler as letras MK – a metonímia da própria editora e assim caracteriza a capacidade de adaptação da editora a novas situações políticas vividas na Hungria e sua plasticidade ideológica:

“Sob o controle do filho do primeiro Imre, Károly, a Editora Horváth logo se especializou em anúncios imperiais dos Habsburgos e publicações (em húngaro e alemão), coletâneas de poesia em panfletos e manifestos políticos anti-Habsburgo, que, nas décadas de 1830 e 1840, proliferaram com fertilidade leporina. Em 1848, o desenho de mau gosto do pai de Károly disparava na parte inferior de editos governamentais colados em quiosques, na contracapa de pequenos volumes de versos de János Arany e em boletins de educação pública de parlamentares húngaros com pretensões reformistas. A pequena pistola fumegava no final de um livreto conciso comemorando o aniversário do imperador austríaco retardado e epilético: um Volume em Honra do Aniversário e Nosso Rei e Imperador, Ferdinando Habsburgo, Quinto a Levar Esse Soberbo Nome, Que Possa Reinar por Longo Tempo, e Que Sua Sabedoria Nos Guie, com as Bênçãos de Deus e para o Benefício de Todos os Seus Leais Súditos Húngaros Que Prosperam sob Seu Cuidado Paternal e Generoso. Mas a bala MK também voava imóvel na última página de uma coletânea de poemas do amante-aventureiro-poeta-revolucionário Boldizsár Kis, intitulada Canções de nascer para o meu país.” (p. 163).

A epilepsia do imperador Ferdinando V Habsburgo, associada a seu suposto retardo mental, aparece como elemento de desqualificação do monarca austríaco que, então, reinava sobre a Hungria.

Margarida de Souza Neves
Coordenadora da Pesquisa
2005

Fiódor Dostoiévski é considerado um dos maiores escritores russos de todos os tempos, e esta a sua obra mais primorosa.  Melhor ou não, a verdade é que esta obra é uma das grandes referências da literatura do século XIX.  Dostoiévski era um profundo cristão e viveu uma época de grandes contradições na Rússia, especialmente no que se refere ao contato entre o oriente e o ocidente e todos os conflitos que foram produzidos a partir daí.  Dostoiévski era um portador de epilepsia.

O romance se desenvolve em uma aldeia russa em torno do ano de 1880, época também que o autor a escreveu.  A história gira em torno da relação de um pai, que é assassinado no meio do romance por um de seus quatro filhos, que por sua vez são representantes de quatro personalidades russas bem distintas.  É muito complexo para ser resumido em poucas palavras a relação destes cinco personagens, basta dizer que Smierdiákov, que tem uma personalidade fraca e corrompida – com uma idéia de degradação humana – é também um epilético, assim como o próprio autor. 

A epilepsia é abordada de várias vezes ao longo do romance, ajudando a construir a personalidade de Smierdiákov e estando presente inclusive na cena onde ocorre o assassinato.  Decidi transcrever somente o primeiro trecho em que isto é mencionado, e algumas das primeiras descrições de Dostoiévski acerca deste personagem, e portanto o ponto de onde parte Smierdiákov para sua participação no resto do romance. 

“A burra de Balaão não era outro senão o criado Smierdiákov, rapaz de vinte e quatro anos, pouco sociável e taciturno, embora não fosse selvagem ou acanhado;  pelo contrário, era arrogante e parecia desprezar todo mundo.  Chegou o momento de falar a seu respeito, ainda que pouco.  Educado por Marfa Ignátievna e Grigóri Vassílievitch, o garoto, ‘natureza ingrata’, segundo a expressão de Grigóri, crescera selvagem no seu canto.  Na sua infância, tinha prazer em enforcar os gatos, enterrando-os depois com grande cerimonial.  Para fazer isto, cobria-se com uma colcha de cama, imitando uma casula, e cantava, agitando um simulacro de turíbulo por cima do cadáver.(...)

Grigóri ficou perplexo.  O menino olhava seu amo com ar irônico, seu olhar parecia provocá-lo.  Grigóri não pôde conter-se:  ‘Foi daqui que ela veio!’ – exclamou, esbofeteando-o violentamente.  O menino não se moveu, mas meteu-se de novo no seu canto por vários dias. Uma semana depois, ele teve uma primeira crise de epilepsia, doença que não o deixou mais dali por diante.(...)” (pg. 138)

“... Fiódor Pávlovitch decretou logo que tinha ele vocação para cozinheiro e mandou que fosse aprender sua arte em Moscou. Passou ali vários anos e voltou com o aspecto bastante mudado; envelhecido demais para sua idade, enrugado, amarelecido, parecia um skópiets. Moralmente, era quase o mesmo de antes da partida; sempre um verdadeiro selvagem que não procurava a sociedade.” (pg. 140)

Estes trechos resumem bem a maneira como Dostoiévski constrói o personagem.  A história se passa no período em que estamos pesquisando, segunda metade do século XIX, mas em um lugar radicalmente diferente do Brasil, principalmente Rio de Janeiro e Bahia.  Mas não deixa de ser interessante a maneira como o autor, sendo ele um epilético, relaciona o personagem, a doença, diversas características pejorativas.

Leonardo Martins Barbosa
Bolsista de IC
2005

Gabriel García MÁRQUEZ. O Outono do Patriarca. 10ª ed. Rio de Janeiro: Editora Record, 260p
Tradução: Remy Gorga Filho
Título original: El Otoño del Patriarca
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Além de ser um dos mais conhecidos escritores colombianos, Gabriel García Marquez é também um referencial para aqueles que admiram o chamado realismo fantástico.  Através de variadas figuras de linguagem, exageros, coisas sinistras, absurdas, exóticas e impossíveis, Gabriel García Marquez reconstrói diversas realidades sociais, políticas e culturais da região sul-americana e Caribe. Entre suas obras encontram-se Cem Anos de Solidão, e Amor nos tempos do Cólera. Em O Outono do Patriarca, o autor constrói o tempo de um ditador latino-americano. Através de uma linguagem maravilhosa, Marquez mostra como esse tempo é cíclico, sempre se reproduzindo e se reconstruindo de modo a manter o patriarca no poder. É uma pesada crítica a regimes ditatoriais que dominaram a vida política de vários países do continente. Marquez mostra em seu livro, no entanto, que por mais que se renove, esse regime chega a seu outono, e cai.

Durante este tempo, há vários momentos de declínio, gerando a impressão de que o ditador estava em seu fim. No entanto, no livro isto é sempre uma impressão e o ditador sempre reaparece até o último capítulo. Na descrição de um desses momentos de queda e fragilidade, o autor usa a palavra epilepsia para construir melhor a imagem desejada:

“Nem mesmo os menos prudentes nos conformávamos com as aparências, porque muitas vezes se havia dado por verdade que estava prostrado pela epilepsia e desabava do trono no curso das audiências torto pelas convulsões e espumando de fel pela boca, que havia perdido a fala de tanto falar e tinha ventríloquos escondidos atrás das cortinas para fingir que falava, que lhe estavam saindo escamas de savelha por todo o corpo como castigo por sua perversão (...) mas quanto mais verdadeiros pareciam os rumores de sua morte mais vivo e autoritário ele aparecia quando menos se esperava para impor outros rumos imprevisíveis ao nosso destino.” (p.47)

A epilepsia é usada, portanto, para construir a imagem de um líder que se mostra frágil, sem força e sem liderança. A epilepsia é usada não para descrever o personagem em si, mas sim o seu momento. A epilepsia somente apareceu no seu momento de fraqueza, enganando aos que imaginavam sua queda. Quando o ditador estava estável em termos políticos, não apareceu menção à doença.

Leonardo Martins Barbosa
Bolsista de IC
2006
 

Érico Veríssimo é um autor de grande importância para a Literatura brasileira. O autor é gaúcho da cidade de Cruz Alta e nasce em 1905 , sendo seu primeiro sucesso o romance Olhai os lírios do campo. Deu aulas em uma universidade americana e foi diretor do Departamento de Assuntos Culturais da União Pan-americana, secretaria da Organização dos Estados Americanos.

A trilogia O tempo e o vento termina de ser publicada em 1962. É composta de três partes (O Continente, o Retrato e O Arquipélago), cada uma contendo mais de um livro, num total de sete. O autor, nesta obra, conta a saga da família gaúcha Terra Cambará ao longo do tempo, atravessando gerações e mostrando, pelos olhos das suas personagens, não só a formação do Rio Grande do Sul e de sua população, mas também as situações políticas que abalaram o país e o mundo.

Na segunda parte da trilogia, O Retrato, a personagem principal é Rodrigo Cambará, filho de um grande estancieiro gaúcho e muito rico. Médico, letrado, formado em Porto Alegre, amante incondicional da cultura francesa e da ópera, Rodrigo tem uma forte tendência a trair a esposa com outras mulheres. Ao narrar a relação que ele e uma de suas amantes mantêm, sendo ela a mulher mais importante da sua vida, Érico Veríssimo relata a intimidade do casal e, principalmente, a intensidade dos atos sexuais entre os dois. E é neste momento que aparece uma alusão à epilepsia:

 “No entretanto, terminada aquela espécie de luta corporal que se avizinhava da epilepsia, quando os dois ficavam lado a lado, numa calma exausta e meio triste – mais duma vez ele sentira que devia dizer alguma coisa, fazer alguma promessa, lançar enfim uma luz sobre o futuro.” (p. 292)

Um fato importante a ser sublinhado aqui é que, diferentemente dos outros autores que mencionam a epilepsia, como em alguns exemplos presentes neste site, Érico Veríssimo se refere à doença comparando-a a uma sensação que, para a personagem era a do êxtase do prazer, e que para a sociedade em geral, apesar de ser imoral por se tratar de um relacionamento fora do casamento, a sensação em si mesma também é considerada prazerosa.

 E, ainda, a epilepsia é reconhecida, mais uma vez, pelo descontrole do corpo, pela associação discursiva com uma luta travada pelo doente contra este corpo que não lhe obedece, que o autor percebe como análoga ao embate amoroso e pelo estado de apatia que segue a crise, que a aproxima da calma exausta e meio triste que se segue ao ato sexual.  As características que são a expressão mais visível desta doença, sendo assim as que ficam mais presentes na representação social da doença, permitem a analogia que Veríssimo constrói entre a epilepsia e o ato sexual.

Aline dell´Orto Carvalho
Bolsista de IC
Abril de 2007

Olhai os lírios do campo, é a obra-prima de Érico Veríssimo. Foi publicado em 1938, num momento em que o Brasil ainda passa por grandes mudanças e uma intensa modernização. Uma sociedade preocupada cada vez mais com o consumo e com a ascensão social toma o lugar da tradicional. Essas mudanças e avanços na tecnologia, na industrialização do Brasil tem um marco divisor: a Revolução de 30. Pano de fundo do livro, a Revolução é também o momento em que ganha de força aquilo que move a personagem principal do livro: o desejo pela ascensão social.

A tranqüilidade do mundo rural tão bem representado na saga O tempo e o vento, o tradicionalismo sulista, a vida pacata e sossegada era então substituída pelo turbulento cotidiano urbano. Esse conflito é muito bem ilustrado nos diálogos montados por Erico Veríssimo entre as personagens que freqüentam a casa do sogro de Eugênio, a personagem principal do livro. O desejo incontrolável de um deles de construir um arranha-céu em Porto Alegre da época representa bem essa nova mentalidade.

Antes da Revolução, não havia universidades no país, o que havia eram faculdades de medicina, engenharia e direito que, portanto, eram profissões muito valorizadas num país formado majoritariamente por analfabetos. Assim, a posição dos profissionais da medicina era de muito prestígio, como mostra a historiografia sobre o assunto discutida nas monografias de Aderivaldo de Santana e de Mariana Lapagesse, disponíveis na página Produção Acadêmica deste mesmo site.

Portanto, esse é o ponto central do livro, manifestado na figura de Eugênio, o jovem e pobre médico que, desde a infância, tem ambições e sonhos de enriquecer. Dividido entre o desejo de ajudar os doentes mais necessitados de assistência médica seguindo o exemplo de um amigo da sua família humilde, e mudar de classe social, Eugênio representa um movimento no sentido de “socialização da medicina”, onde admite-se que a sociedade a influencia, a “modela”, nas palavras de José Leopoldo Antunes¹. Mas ele corre atrás dos seus sonhos, e, para alcançá-los, abdica do amor e da amizade de Olívia. Também formada em medicina, Olívia é a personalização de virtudes que o próprio Veríssimo chama “inumanas”. Sua fé inabalável e a sua aceitação serena da morte deixam transparecer a estabilidade de um momento anterior às mudanças modernizadoras pelas quais o país passa; a ambição de Eugênio se encaixa no segundo momento. E um se apóia no outro, a passagem não é brusca e nem definitiva.

No prefácio escrito pelo autor em 1966, ele destaca a semelhança de Olhai os lírios do campo com O tempo e o vento e outras obras suas: as personagens, os conflitos internos, as situações. No entanto, a semelhança que pretendo destacar aqui é a utilização da epilepsia como metáfora para sentimentos ou ações. Em dado momento do livro, ele narra uma discussão entre um artista moderno e um amante da pintura renascentista. Cada um defende seu ponto de vista. Num momento preconceituoso, Acélio Castanho, o tradicionalista, diz de Diego de Rivera: “Rivera é pernóstico como todo mestiço.” (p.157) Quando perguntado pelo pintor Túlio Altamira o que tem arte a ver com cor, Acélio pensa sobre o assunto - sem, no entanto, mudar de idéia sobre o pintor mexicano. Segue-se o parágrafo que diz:

“Eugênio contemplava Acélio Castanho, que lhe parecia ainda mais pálido que de ordinário. Estava vestido de escuro e seus olhos negros tinham um brilho de febre. Sua testa larga e cor de marfim pregueava-se toda de rugas quando ele ficava a pensar, de olhos erguidos para o alto, como numa ausência epilética.

Quando Eunice e Isabel desceram, falava-se do bolchevismo de Diego de Rivera. Os olhos de Acélio fuzilavam.” (p.158)

Esse trecho mostra uma comparação feita por Veríssimo entre a imobilidade no ato de refletir e o momento de ausência que sucede uma crise epilética. Fala também sobre o olhar de Acélio, por três vezes: na sua comparação, afirma que os olhos do doente, provavelmente durante uma crise epilética, se voltam para o alto, numa “ausência”; diz, ainda, que, nesse momento, o olhar da personagem é febril e fuzilador, comparando-o ao do doente com epilepsia.

Mas o que é mais interessante reparar é que, como é possível notar nesse mesmo site, essa não é a primeira vez que encontramos comparações com a epilepsia nos livros de Erico Veríssimo. É bem possível que esse fato esteja nos mostrando que o uso da doença como fator de comparação, como metáfora era bem comum na linguagem corrente da época. Ainda que, como nesse caso, não esteja sendo usado num tom pejorativo em relação àquela personagem a que se refere, o uso ilustra a repercussão que a doença tinha na sociedade e a ele se aplica a sugestão de Susan Sontag de “doença como metáfora”.

¹ ANTUNES, José Leopoldo Ferreira. Medicina, Leis e Moral: pensamento médico e comportamento no Brasil (1870-1930). São Paulo: Fundação Editora da UNESP, 1999.

² SONTAG, Susan. Doença como metáfora. São Paulo: Companhia das Letras, 2007.

Aline dell´Orto Carvalho
Bolsista de IC
Setembro de 2007

NASSAR, Raduan. Lavoura Arcaica. São Paulo: Companhia das Letras, 2006 (3a.ed.)

Filho de pais libaneses, Raduan Nassar é paulista de Pindorama. 

Formou-se em filosofia em 1963 e após um período de viagens à Europa e ao Líbano, funda, juntamente com seus irmãos, o Jornal de Bairro  onde permanece escrevendo até 1974.  Publicou nesse periódico os  contos ”Menina a Caminho” e “Aí pelas três da tarde “ (1972). Este último conto poderá, também, ser encontrado  no jornal Folha de São Paulo do dia 21 de janeiro de 1989.

Nassar publicou somente dois livros, ambos premiados.

Sua primeira obra foi Lavoura Arcaica, editada pela José Olympio em 1973, que ganhou os prêmios Coelho Neto, da Academia Brasileira de Letras e Jabuti, da Câmara Brasileira do Livro. Foi, também, traduzida para o espanhol e para o francês, publicadas, respectivamente, pela  Alfaguara (1982)  e pela  Gallimard (1982).

O outro livro de Nassar, Um Copo de Cólera” (1978), recebeu o prêmio de Ficção Revelação de autor da Academia Paulista de Críticos de Arte.

Desde então, não escreveu mais, apesar dos inúmeros apelos. Optou pela vida rural, e vive numa fazenda do interior de São Paulo, dedicado à avicultura.

O livro Lavoura Arcaica é composto de duas partes: A partida e O retorno.

Na primeira parte o autor relata, numa linguagem muito particular e sempre elegante, as lembranças e os conflitos pessoais vividos por André, principal protagonista do livro, filho rebelde que abandonara sua numerosa família rural, não só porque se sentia asfixiado por sua estrutura patriarcal, pela rigidez moral de caráter religioso e bíblico. Envergonhava-se, também, com a descoberta de ser um epilético, mas - e principalmente - porque se percebia  incapaz de controlar  sua paixão pela irmã, Ana.

Pedro seu irmão mais velho, respondendo ao apelo da mãe, sai em busca  de André.  Encontra-o numa pensão, atordoado por suas memórias e pelo excesso de vinho.  Consegue, entretanto, convencê-lo a voltar para a família, para os rituais das refeições diárias, sempre presididas pela figura autoritária do pai. 

Mas o retorno de André ao lar vai tornar visível a precariedade da união familiar. Lula seu irmão caçula, lhe confessa sua infelicidade e a intenção de, também, querer abandonar a fazenda. Ao mesmo tempo uma aparente paz parece reinar no carinhoso acolhimento dado a André, na alegria de todos com a organização da festa de boas vindas. 

Entretanto essa comemoração será marcada pela tragédia.  O pai ao perceber o amor incestuoso existente entre os irmãos acabará matando sua filha, Ana.

O narrador revela as tragédias do livro de uma maneira muito particular, quase silenciosa, sempre por meias palavras, pelo não dito. Entretanto coloca explicitamente o seu sofrimento, a tragédia que, para ele, significou a descoberta de ter epilepsia.

Na passagem em que seu irmão Pedro o visita na pensão e tenta convencê-lo a voltar à casa paterna , André rompe o seu resistente silêncio  com as seguintes palavras:

“...eu sou um epiléptico, fui explodindo, convulsionado mais do que nunca pelo fluxo violento que me corria o sangue “um epiléptico” eu berrava e soluçava dentro de mim, sabendo que atirava numa suprema aventura ao chão, descarnando as palmas, o jarro da minha velha identidade elaborado com o barro das minhas próprias mãos,e me lançando nesse chão de cacos, caído de boca num acesso louco eu fui gritando ‘você tem um irmão epiléptico, fique sabendo, volte agora para casa e faça essa revelação, volte agora e você verá que as portas e janelas lá de casa hão de bater com essa ventania ao se fecharem e que vocês, homens da família,carregando a pesada caixa de ferramenta do pai, circundarão por fora a casa encapuçados,martelando e pregando com violência as tábuas em cruz contra as folhas das janelas, e que nossas irmãs de temperamento mediterrâneo e vestidas de negro hão de correr esvoaçantes pela casa em luto e será um coro de uivos (...) elas hão de amontoar-se num só canto e você grite cada vez mais alto ”nosso irmão é um epilético, um convulso, um possesso” e conte também que escolhi um quarto de pensão pros meus acessos e diga sempre “nós convivemos com ele e não sabíamos, sequer suspeitamos alguma vez” e vocês podem gritar num tempo só ”ele nos enganou” (...) “é triste que ele tenha o nosso sangue, uma peste maldita tomou conta dele” e grite ainda ”que desgraça se abateu sobre a nossa casa” e pergunte com furor mas como quem puxa um terço ”o que faz dele um diferente?” e você ouvira um coro (...) ”traz o demônio no corpo” (...) ”traz o demônio no corpo”...  (pp. 39 - 40)

A desesperada confissão de André de ter-se descoberto como um epilético, como  se denomina, parecia significar, para ele, a percepção da perda de uma determinada visão de si mesmo, de uma identidade que havia construído ao longo da sua vida e se reconhecer, a partir de então, como a vergonha da família porque seria um homem que trazia no corpo, através da doença, o próprio demônio, capaz de  contaminar o sangue da sua família.

O personagem de André ao se identificar como um epilético confunde-se com a própria doença. Esta aparece no texto narrativamente associada às idéias de desgraça, de luto, de vergonha, de peste, de demonização, de repulsa e isolamento.

Encontramos ainda, no livro, mais uma referência à epilepsia quando André, mergulhado nas suas reflexões, afirma para si mesmo:

“...era eu o irmão acometido, eu, o irmão exasperado, eu, o irmão de cheiro virulento, eu, que tinha a baba derramada do demo” .. (p. 108)

 

“...eu, o epiléptico, o possuído, o tomado, eu, o faminto, arrolando na minha fala convulsa a alma de uma chama, um pano de Verônica e um espirro de tanta lama, misturando no caldo deste fluxo o nome pervertido de Ana”... (p. 110)

O texto aponta, novamente, para a representação da epilepsia como uma doença asquerosa e demoníaca. Mas propõe, também, a idéia de contaminação, de atração maligna.

A percepção de André da epilepsia, contruída por Nassar, como sendo uma possessão demoníaca pode ser considerada um elemento, um fio de uma história que se tece na tradição cristã.   Lavoura Arcaica parece sugerir uma versão invertida da parábola do filho pródigo.

Heloisa Serzedello Correa
Pesquisadora
Fevereiro de 2008.